奏鸣曲（Sonata）是西方古典音乐中非常重要的一种器乐曲体裁，通常指为一件乐器独奏，或者一件独奏乐器加钢琴伴奏而写的多乐章作品。奏鸣曲一般有三到四个乐章。
序曲（Overture）是指在戏剧、歌剧、芭蕾舞剧或大型音乐作品演出之前演奏的器乐曲，通常用来引导气氛、预告主题、吸引听众注意力。
音诗（Tone Poem）是一种19世纪末兴起的管弦乐体裁，它用纯粹的器乐，不通过歌词或对白，来讲述一个故事、描绘一幅画面，或者表达一个诗意的、哲学的、自然的主题。简单说，Tone Poem = 用乐器讲故事的交响曲式作品。它们通常遵循交响曲第一乐章的戏剧性模式。
Preludes（前奏曲）、Études（练习曲） 和 Character Pieces（特性曲）是三种常见的器乐作品类型，通常为钢琴而作。
这些类型的作品有无数种实现方式，也有无数种改编的方式。随着你对这些曲目越来越熟悉，听到作曲家们对乐章类型和乐章序列进行的创造性转换，最终会成为你的第二天性。
古典音乐将知识与娱乐融合在一起
像大多数艺术形式一样，古典音乐激发了娱乐与知识之间的对话。古罗马诗人贺拉斯曾写道，诗歌的任务是让人愉悦并传授知识。寓教于乐会增强两者的影响力。
古典音乐在这个过程中有其独特的方式，因为与基于文字或图像的艺术形式不同，音乐并不直接描绘知识，而是将其体现出来。音乐并不是通过展示或叙述某件事来传达信息，而是模拟一种生动的体验。其结果往往让人感觉几乎是亲身经历，就像它正在发生在你身上一样。
古典音乐所涉及的情感与思想通常是不确定的，或者只是笼统地确定。当音乐没有歌词时，它既不能说话也不能展示任何内容，但它将这种“空白”转化为一种优点。音乐通过带给人愉悦的方式，让人理解某些事物。对于听众而言，这往往意味着感受到理解某个重要事物的感觉——即使我们无法总是明确表达那个“事物”是什么。
除了打破局限性和体现体验之外，古典音乐像从古希腊戏剧到意大利文艺复兴绘画，再到经典好莱坞电影中的艺术形式一样，在西方历史中占据了重要的位置。任何对西方历史或艺术史感兴趣的人，都有更多理由去聆听这类音乐。
古典音乐最独特的地方，不在于你如何去听，而在于你听到的内容是什么。古典音乐是多面的、丰富细致的，这意味着它有很多种听的方式。随着你听的方式变化，它也会变化；即使是同一部作品，也可以在不同的时刻产生不同的听感。
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鉴于古典音乐的悠久历史，古典曲目自然是庞大的。在探索这些曲目时，选择那些大名鼎鼎的作曲家是不会错的。贝多芬、马勒、德彪西、斯特拉文斯基、莫扎特和肖邦之所以闻名遐迩是有原因的。但古典音乐曲目中也充满了许多其他才华横溢的作曲家的作品，其中包括一些直到最近还因为种族、性别或两者的原因而被忽视的作曲家。幸运的是，这些丰富的音乐作品正在被重新发掘。
那么，该从哪里开始呢？得益于互联网，无论你身在何处，都可以轻松听到，比如，关注本公众号，去找能打动你、激发你想象力的音乐吧。
选择“听觉角度”以更深入地聆听
就像视觉的角度决定了你能看到什么，听觉的角度也决定了你能听到什么。通常，当我们在听某些东西时，听觉会变得更加集中。你可以用最简单的方法来建立听觉角度：带着某种特别的东西去聆听。
这个“东西”可以是某种音乐特质或细节，也可以是一个想法、一幅图像、一种印象，或是一个引发联想的单词或短语。有些角度可以用来聆听许多或大多数作品；而有些角度则只能应用于某一部作品。尝试在同一部作品上运用不同的角度，既是古典音乐的乐趣之一，也是古典音乐的发现手段之一。
尽管直到最近，大多数古典作品都没有标题（它们通常以编号的形式来标识，比如《第九交响曲》或《第一钢琴协奏曲》），但那些有标题的作品却利用标题来吸引人们从特定角度聆听。
大约1723年，维瓦尔第将四首小提琴协奏曲系列命名为《四季》，依次为“春”“夏”“秋”“冬”，他为这四首协奏曲提供了一个听音角度，这个角度至今仍然有效，已持续了300多年。
如果你带着这些标题去聆听这四首协奏曲，听起来就像是在见证或发现一些关于自然周期和时间流逝的事情。例如，《夏》的第二乐章速度缓慢，将一段悲伤的小提琴独奏旋律与全乐团的激烈轰鸣对比，展现了强烈的情感冲突。
我们所听到的夏季并不是一个令人愉快的季节，而是一个充满焦虑和不适的时光。维瓦尔第在出版《四季》时，用了四首描述性的十四行诗。这一乐章的诗句写道：
The fear of lightning and fierce thunder
Robs [the shepherd’s] tired limbs of rest
As gnats and flies buzz furiously around.
在人类赖以生存的大自然面前，音乐和诗歌各自以不同的方式传达了一种脆弱感，甚至是无助感，面对自然的力量，人类的生存和生活依赖的自然界显得如此不可控。
当然，并不是每一首作品都有十四行诗可以依赖。当你聆听一部古典音乐作品时，你可能无法准确地说出音乐所传达的具体内容。理解某些重要事物的感觉，可能会超过对具体内容的理解。后面对音乐的思考，可能会让你说得更多，从而扩大理解和乐趣。
无论如何，了解、发现或回忆某个事物的感觉始终存在，而这种感觉的载体就是音乐带给我们的愉悦。
赋予音乐意义的特征，无论对你而言其意义是什么，都是浮于表面的。你所需要做的，就是带着想象力去听，而不仅仅是用耳朵去听。选择一个听音角度，去聆听所发生的一切。
角度：跟随旋律及其变化
西方音乐的基本要素是旋律、和声和节奏，但它们在不同类型的音乐中所占的地位各不相同。例如，在器乐爵士乐中，节奏往往占据主导地位；而旋律，尤其是即兴创作的旋律，则是在与音乐有生命力的节奏感相互作用中产生的。
虽然古典音乐在任何时候都可以赋予节奏类似的作用，但其主要驱动力是旋律。更具体地说，是旋律的变奏与转换，旋律的形成、组合与分解——旋律作为戏剧的一个原则。
要了解旋律，首先要记住旋律最简单的形式，也就是它的第一种形式，然后去聆听这一表现性前提发生了什么变化。
让我们以贝多芬的《第九号弦乐四重奏》（1808年）为例，首先探索如果没有旋律会发生什么，来肯定旋律的价值。
这首四重奏以缓慢而奇特的引子开始：一连串看似随意的和弦，却以某种方式暗示了一种潜在的方向感。当这一方向找到了，旋律便迸发出来，并在第一乐章中尽情绽放。
第二乐章以大提琴一个响亮的拨弦（弹拨）音符开始，非常引人注目。
接着，一段深沉的旋律在七个类似的音符上起伏，而此时音量变得柔和。这就是音乐所要求的听觉角度，一种神秘、催眠、带有一丝不祥的气息的旋律：这段旋律将走向何方？它能走向哪里？你可以从音乐的起伏和低沉中听到这个问题。
这个问题很快就得到了解答。出现了一种新的旋律（在上面视频的2:48处），它与前一个旋律截然不同：轻盈、优雅、细腻。这是一种熟悉的舒适感的回归。旋律突然显得古雅迷人，优雅得令人怀疑，因为它似乎来自于一个与之前旋律截然不同的世界。
此时，当你注意到旋律的鲜明变化后，你可能会觉得自己正徘徊在两种截然相反的诱惑之间——一种来自于难以捉摸的东西，另一种来自于你不需要去理解的东西。
但这种感觉并没有持续太久。在乐曲的稍后部分（在这个版本的5:16处），第二段旋律再次出现，却又瞬间碎裂。音乐似乎卡住了。然后，这段旋律再次以令人震惊的新形式回归，流畅而激动人心。它抛弃了熟悉感，成为第一段旋律的奇特伴侣。
你所要做的，就是注意音乐所唤起的那些特质，并允许自己自由地思考它们。第二段旋律的转变似乎受到它那神秘伙伴的影响吗？这段旋律，离开了它最初的样貌，是否体现了一种否定、逃避或自我更新的精神？在聆听时可能产生的问题及其答案，取决于聆听者。而这些问题甚至可能不需要答案。各种可能性本身就是重点之一，你也许，或者肯定会在多次聆听后对这段音乐有不同的解读。
角度：从声音的特质中寻找意义
就像画家在调色板上调配颜色一样，古典作曲家也会调配声音，使得这些声音的组合本身具有表现力或戏剧性的意义。作曲家决定如何将现有的声音进行组合，并在何时让未混合的声音突出，以及使用哪些乐器。
音色是声音的“色调”，每种乐器都有独特的音色，且根据乐器的演奏方式而变化；织体是指乐器组合或分离方式所产生的声音质感。两者对古典音乐的创作至关重要，同时也为聆听提供了一个角度。
古典音乐史上最著名的声音之一，贝多芬《第五交响曲》（1808年）开篇的四个音符，其影响力部分归功于它们的音色和织体。这四个音符由所有弦乐和一对单簧管以最大音量演奏，没有和声。它们的音色纯净、鲜明、毫不妥协。
同样可以在马勒的《第一交响曲》（1888年）中，听到音色和织体的影响，尤其是在那段诡异且令人不安的慢乐章中。它以一段大多数听众会感到熟悉的旋律开始，这段旋律最著名的名字是法语标题《Frère Jacques》（雅克兄弟）。
然而，这首曲子的命运却很悲惨，而且已经遭受了不幸。它由一把闷音的独奏低音提琴演奏，声音低沉哀怨；节奏缓慢得令人难受，仿佛沉重的低音让它无法前行；而且还是小调。唯一的伴奏是定音鼓沉重的敲击声。这些特征是无法忽视的，它们提供了，甚至强迫你去接受的一个聆听的角度。音乐听起来怪异、阴森、令人着迷。
《Frère Jacques》是一首轮唱歌曲，这个简单的事实让人更加不安。大多数知道这首歌的人可能是在孩提时代通过集体唱歌时学会的。歌词大多没有意义，但唱这首歌会立即创造一种社会凝聚感。
马勒通过表现失去这种凝聚力的感觉和声音来传达对凝聚力的需求。他将这种凝聚力分解成一堆失去的联系。我们对这段旋律所了解的一切，它的纯真、与童年的关联、集体性，都转变为一种邪恶的对立面。
此后发生的事情太多，难以简短概述，但有一件事值得反思，那就是之后爆发出的喧闹、乡村风格的音乐，它的音色和旋律或许会唤起被称为克莱兹梅尔（klezmer）的犹太风格，因此也可能暗示马勒的犹太血统。
这一变化是体现了解放、怀旧，还是其他什么呢？答案又一次取决于听众和/或演奏者，他们可能会以不同的方式聆听这段音乐。
角度：让声音产生视觉和感觉
传统的古典音乐解读通常建议听众纯粹把音乐当作音乐本身来欣赏，而避免过多地赋予所谓的“超音乐性”联想，即与其他类型的体验相联系。这种谨慎的态度甚至适用于那些明确诱发此类联想的音乐——即所谓的“标题音乐”（此类音乐不在少数）。
根据这种观点，当德彪西创作一首名为《Nuages》（《云》）的管弦乐作品时，云朵本身并不应该对音乐产生影响。但为什么不可以呢？听众常常会将古典音乐的声音与其他事物——图像、记忆、情绪、幻想...联系在一起。这些联想几乎无法避免。
将个人的联想带入音乐中，聆听所发生的一切，可能会让你获得更深的体验。举两个简短的例子，首先是德彪西的《云》（1899年完成）。德彪西对这个标题非常认真。他写道："音乐描绘了天空永恒不变的面貌，以及云朵缓慢而庄严的移动，渐渐消散在灰色调中，微微泛白。”当听众带着与大自然的这种联系来听音乐时，会体验到什么呢？
这首作品的大部分由缓慢起伏、下降或静止的和弦构成，几乎没有可辨识的旋律。英国管确实有一小段富有表现力的旋律，时隐时现，几乎没有任何变化。最后，它消失在定音鼓连续而柔和的滚动声中，变成了静止的声音，德彪西的灰色音调中掺杂着光亮。如果听众能将音乐中朦胧的和弦 “转化 ”为想象中庄严的云卷云舒的景象，一定会大有裨益。
如果说旋律是古典音乐的核心，你或许会欢迎那段微弱、哀怨的英国管主题的回归，这其实只是一个短短的乐句，是听众所需要的最简单的旋律。但也许你也可以欢迎它消失在音乐的朦胧之中。也许有的时候，你会想摆脱旋律的确定性。听觉的角度让问题变得生动起来。
第二个例子是海顿的《弦乐四重奏, 作品74：第3号》（1793年）的终乐章，通常被称为“骑士”。这个绰号并非出自海顿之口，而是几代听众 “擅自 ”给音乐带来的联想，由于显而易见的原因，这个绰号一直沿用至今。该乐章以一段参差不齐、推动力强的旋律开始，伴随着如同奔腾马蹄般的激烈节奏。
你可以感受到这段音乐的震撼。这不是为普通骑手准备的音乐，而是为肩负使命或传递紧急信息的骑士准备的音乐，一个愤怒地不停奔腾的骑士。随后出现的一段对比鲜明的段落似乎是为了平息眼前的局面，但随着 “骑手 ”旋律的片段出现，紧迫感又卷土重来。甚至在本该停止的时候，它又继续返回，直到最后。如果你正在寻找一种狂野的感觉，那么这首乐曲就能满足你。
无论一首古典音乐是否有一个富有暗示性的标题，听这段音乐时几乎不可能不产生脑海中的画面和感觉。正如这些例子所示，你可以通过允许并探索自己脑海中浮现的任何东西来深化你的听觉体验。
角度：聆听有差异的重复
沉浸在音乐中的另一种方式是聆听音乐中戏剧化的“事件”。只需聆听发生了什么；感觉“有事情正在发生”是古典音乐的基本要素。
一个很好的方法是聆听“有差异的重复”。我们已经在贝多芬的《第九号弦乐四重奏》慢板中，听到过一个例子：他将一段优雅的旋律转化成神秘的版本。另一个例子出现在德彪西的《云》中，当旋律的片段在整首曲子中一直未变，最终分裂成几部分并消失，几乎就像幻觉一样。
有时，这种重复跨越了不同的乐章。勃拉姆斯的《第三交响曲》（1883）一开始，便以几乎是得意洋洋的声明登场，由弦乐、长号和鼓点共同奏响。
超过半小时后，几乎是在第四乐章的最后时刻（36:06），开头的旋律再次出现。但这一次，它不再响亮，而是在喃喃低语的弦乐和静止的管乐中响起，没有长号，也没有鼓。这个重新出现的旋律是宁静的、懊恼的、满足的、失败的，还是别的什么呢？每个听众都会做出自己的判断，每场演出也会提出自己的建议。但在每种情况下，这个回归都要求我们重新思考直到那一刻所听到的所有内容。要理解我们所走的路，我们必须重新审视我们走过的每一个地方。
聆听不同版本的演绎
当你准备好重新聆听你曾经喜欢的音乐时，听一听演奏方式带来的差异。“相同”的音乐在不同的演绎中可能听起来完全不同。钢琴家Shelley Katz通过他对巴赫的一首短小键盘作品的十种完全不同演绎的录音，生动地展示了这一点——每次演奏时都没有改变一个音符。
钢琴曲《Summerland》是黑人美国作曲家斯蒂尔于1936年创作的《Three Visions》中的一首，是一段关于天堂的音乐幻想。在Mark Boozer的演绎中，开头的一分钟开始时是宁静的，然后逐渐过渡到流畅的涟漪，增加了活力而不打破宁静。
Henry Kramer的演奏速度更慢、更自由，但开头并不宁静，而是充满了反思和探索。波澜起伏的段落包含着Boozer版本中并不明显的渴望之情：
由此产生的差异影响着每场演出的后续内容。音乐是相同的，但其意义却不同。几乎任何一首古典音乐的演出中都可以发现这样的差异。音乐的设计是为了在每次演出之间的差异中展现其全部的深度和力量（这些差异反映了演奏者不同的听觉角度）。
重点 – 如何聆听和欣赏古典音乐
◆聆听古典音乐能带来丰富多彩的体验。音乐可以让人沉醉、令人兴奋并具有挑战性，有助于打破思想和情感的局限。
◆古典音乐将知识与娱乐结合在一起。聆听的收获之一，就是在不需要文字或视觉辅助的情况下，感受到理解某些重要事物的感觉。
◆找到能引起你兴趣的音乐。像贝多芬或莫扎特这样的著名作曲家是不错的选择，但古典音乐相关平台和播放列表也能帮助你发现其他的音乐作品。
◆选择“听觉角度”以更深入地聆听。当你以某种特定的方式去聆听时，聆听体验可以变得更加丰富和专注，无论这个角度是关注音乐品质（如旋律的发展或整体的音响质感）、某个想法、图像或其他任何东西。用你的想象力去聆听。
◆聆听不同演绎版本之间的差异。一首古典音乐作品，根据不同的演奏者演绎，可能会给出非常不同的印象。尝试听不同版本的你最喜欢的作品，以便欣赏其完整性。
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观看现场古典音乐演出
了解古典音乐的最有价值的方式之一是参加一些现场的古典音乐会。这些演出主要有三种类型：
■管弦乐团音乐会，通常演奏交响乐、协奏曲和短篇作品；
■弦乐四重奏或其他小型乐团的演出，这些被称为“室内乐”，因为在历史上，这些作品通常是在私人住宅的房间里演奏，而非在公共音乐厅；
■钢琴独奏音乐会，通常称为“独奏音乐会”，因为发明这种形式的作曲家和演奏家李斯特认为独奏者是在跟观众 “讲话”。
许多古典音乐会会为观众提供印刷的节目单，列出将要演奏的作品，并提供一些关于音乐、作曲家和表演者的信息——即“节目单说明”。如今，许多演出者还会与观众交流，打破了长期以来演出必须保持安静的传统。
节目单注释可以提供相当多的信息，尤其是当它们避免对形式和技巧进行无益的描述时，这些描述就相当于对聆听内容进行了过于具体的说明。我认为最有用的节目注释，将当前的作品与作曲家的生平和时代背景相联系，并为音乐提供简短、富有表现力的特征描述，听众可以把这些描述视作提示而非明确的指示。
古典音乐会本身就是令人激动的。大多数古典音乐会的音乐几乎没有出错的余地，必须在没有扩音器的情况下演奏，并且难度很大——虽然听起来不难。这些音乐会就像在钢丝上跳舞。
要想感受音乐会带来的能量和悬念，一种方法就是观看音乐的演奏过程。室内乐演奏者用他们的身体以及他们发出的声音相互交流；你既能看到，也能听到他们如何融合或分开。
独奏者同样通过身体表现来表达：钢琴家如何倾身向钢琴，如何摇摆或保持不动的方式，如何强调或抑制手臂动作的方式，这些都对音乐的表现有着重要的影响。
而指挥（“指挥家”），他们的工作是协调演奏者，平衡音响，塑造音乐的节奏（“速度”），并选择需要强调的部分，从几乎不动的人到全身心投入作品的人都有。现场古典音乐的观赏性是其艺术性的重要组成部分。
内容来源：翻译Lawrence Kramer 《How to listen to, and enjoy, classical music》返回搜狐，查看更多